Educación sentimental para la niña de tus ojos

London Symphony, de Alex Barrett. Una sinfonía urbana para el siglo XXI



El interés de Doctor Ojiplático por el género documental conocido como Sinfonías Urbanas viene de lejos. 
Tras décadas desaparecido de los intereses creativos de los cineastas (salvo muy honrosas excepciones) y del gran público, hace casi un par de años, el cineasta independiente Alex Barrett lanzaba una campaña de crowdfunding a través de kickstarter con la idea de financiar su proyecto personal, 'London Symphony', una cinta muda y en glorioso blanco y negro, concebida como una sinfonía urbana contemporánea que sirviese como instantánea cultural del Londres actual - una de las pocas grandes capitales sin su propia sinfonía urbana -.
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La Marche des Machines (1927) - Eugène Deslaw


©La Marche des Machines (1927) - Eugène Deslaw. Cortometraje  | Short Film
La Marche des Machines, cortometraje rodado en el año 1927 y protagonizado por máquinas en una fábrica, sus movimientos mecánicos y su funcionamiento, se inspira en la adoración del futurismo por la maquina y el movimiento. Con obras como ésta, el cineasta ucraniano Eugène Deslaw dejaba constancia de su interes por el Cinéma Pur (Cine puro, también conocido como Cine absoluto), centrado en los elementos puros del arte cinematográfico durante la época de las vanguardias clásicas
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Doris Chase - Circles. Videoarte


©Doris Chase - Circles. Videoarte

La primera exposición individual de Doris Chase (1923-2008) tuvo lugar en 1956 y su primera exhibición internacional fue en Roma durante el año 1962. Su trabajo artístico fluctuaba entre la pintura y la escultura, por la que es más reconocida. Sin embargo, sus acercamientos al mundo del cine y del vídeo experimental la convierten en una de las pioneras del Videoarte, con una producción de más de 70 películas. Doris Chase comenzó a trabajar en vídeo a principios de 1970, tratando las imágenes con computadora en los primeros balbuceos de ambas disciplinas, integrando escultura y bailarines con los que explorará el procesado de imagen y color con estimulantes resultados
©Doris Chase - Circles. Videoarte
©imagen: Patricia Failing's book, Doris Chase: Artist in Motion
Circles es una muestra muy temprana de videoarte creado por Doris Chase a lo largo de los años 1969-70. Para su creación, la artista precisó de la gran computadora central en las instalaciones de Boeing en Seattle. 
Circles II es una creación de 1971. En esta pieza cuenta con la colaboración de la bailarina/coreógrafa María Staton que está bailando con una escultura de Chase. Filmado en 16 mm en blanco y negro a la que luego Chase añadió efectos mediante la superposición de diferentes películas., y a las que más tarde añadiría color. Mostrada en el American Film Festival celebrado en el año 1973 en New York, el crítico Roger Greenspun la comparaba con la pintura de Matisse 'La Danza', a la vez que la calificaba de "delicada y masiva a un mismo tiempo" afirmando que "la experiencia visual es deslumbrante" 

©Doris Chase 
Abmeyer+Wood website | youtube
via toys and techniques | triangulation blog
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Symphonie Diagonale (1924) Viking Eggeling


Symphonie Diagonale (1924) Viking Eggeling
 
Una de las obras de cine abstracto más tempranas conservadas, Symphonie Diagonale (Sinfonía diagonal) es la única de Viking Eggeling que ha sobrevivido hasta hoy. Film futurista, precursor del Op Art, abrió con su perspectiva avanzada el camino a la animación experimental, influyendo en artistas como Hans Richter y Oskar Fischinger.
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Lichtspiel, Schwarz-Weiss-Grau. (1930). László Moholy-Nagy


Lichtspiel, Schwarz-Weiss-Grau. (1930). László Moholy-Nagy. Licht Raum Modulator (Modulador espacio-luz)
El estreno de Lichtspiel, Schwarz-Weiss-Grau, tuvo lugar a principios de marzo de 1932: demasiado tarde como para dar un nuevo impulso a la vanguardia, y cuando posturas similares ya formaban parte del lenguaje cinematográfico. 
El eje central gira en torno al objeto más famoso de los creados por László Moholy-Nagy, 'el aparato que puede experimentar con la pintura de la luz'; el Utensilio luminoso para escenario eléctrico de 1930, posteriormente también llamado Modulador espacio-luz (Licht Raum Modulator). El Modulador espacio-luz y la película Lichtspiel, Schwarz-Weiss-Grau forman 'una pareja para la que cada uno constituye un elemento fundamental en la contextualización del otro'. La película pretende reproducir 'no sólo el amplio espectro de las múltiples variaciones que pueden crear los efectos de luces y sombras, sino también detalles sobre cómo está construido el aparato'. Pero la estructura sólo puede reconocerse si uno ya conoce el aparato. Al menos en las copias conservadas de la película, no existe ningún plano en el que el modulador se vea al completo. No obstante, se realizaron reconstrucciones con fragmentos de tomas diferentes, y la revista vanguardista Close up publicó en 1932 una fotografía del modulador, y posteriormente, en 1936, lo hizo Telehor, aunque ambas reproducciones muestran una sombra negra del aparato marcada en la pared. Desde este punto de vista, la película adquiere un carácter probatorio aún más marcado; como muestra el posterior plan de estudios de la School of Design: «El siguiente paso es crear y fotografiar un modulador de luz. Un modulador de luz es un artefacto simple; su función es capturar y reflejar, modular la luz».

IMDB
László Moholy-Nagy es una de las grandes figuras de la modernidad. Su concepción de las artes como un todo y su deseo de suprimir la separación y jerarquización entre ellas; su confianza en las posibilidades de una nueva cultura industrial en la que las distinciones entre arte y no arte, entre artesanía y producción mecanizada dejaran de ser pertinentes; su pasión por la pedagogía como medio para llegar al ideal del «hombre nuevo y total» y la necesidad del arte para lograrlo; su anhelo de acabar con la noción arcaizante de la figura del artista como genio, su aspiración al ideal de artista total... hacen de él una figura imprescindible y fundamental de la primera mitad del siglo XX. [Fragmento de László Moholy-Nagy. El Arte de la Luz, de Oliva María Rubio]
Doctor Ojiplático. László Moholy-Nagy. Composition A XI. 1923
Composition A XI. 1923
Pintor, fotógrafo, tipógrafo, pedagogo y director de cine, László Moholy-Nagy nunca diseño nada que se llegara a producir en serie, pero a través de sus libros y sus clases se convirtió en una importante influencia en el mundo del diseño. Nacido en Bácsborsód, Hungría, estudio derecho en Budapest. Empezó a diseñar tras ser herido en la Primera Guerra Mundial, mientras cumplía el servicio militar. Después de la guerra fundó un grupo y una revista vanguardistas con el nombre de Ma (Mañana). Moholy-Nagy era un artista ambicioso: en 1920 se traslada a Berlin y en 1922 se incorpora a la plantilla de la Bauhaus, donde dirigía un taller de metalistería con alumnos como Wilhelm Wagenfeld o Marianne Brandt. También en Berlin, dirigió películas abstractas y semi abstractas y edito los Bauhausbücher, una colección de libros sobre las teorías del arte y del diseño, teorías que habían surgido en Weimar y Dessau. Gropius, Klandinski, o Malevich destacan como algunos de los autores incluidos en esta colección. Moholy-Nagy será uno de los primeros artistas en centrar su atención en la belleza implícita de las maquinas. Su Buch neuer Kunstler (1919) incluía fotografías de aviones como adelanto de su nueva estética. Su creencia principal era que las artes visuales debían referirse a la 'higiene de lo optico', una de sus típicas expresiones. 
Pionero de los nuevos medios, sus 'Telephone Paintings', cuadros que encargó por teléfono a una fabrica de esmaltes leyendo las coordenadas de un papel milimetrado, son de alguna manera los primeros productos artísticos de 'confección'. Vivió cautivado por las maquinas: 'Todos somos iguales ante la maquina (...) en tecnología no hay tradición ni conciencia de clases'. El artefacto más memorable que salio del taller de metales de Moholy en la Bauhaus fue una lampara de mesa diseñada por su alumno más aventajado, Wilhelm Wagenfeld. Diseñada entre 1923-24, producida desde 1927, era 'decisiva, sencilla y bella' en palabras de Ilse Gropius, aunque un fraude si se tiene en cuenta su elevado coste de producción y el hecho de que estaba hecha a mano... 
Moholy-Nagy se traslada a Londres tras el cierre de la Bauhaus donde diseñará exposiciones para los Grandes Almacenes Simpson's mientras ilustra libros para Betjeman o se encarga de la dirección artistica de la revista Architectural Review. En Chicago, a donde llega para dirigir la New Bauhaus (más tarde el Institute of Design de Chicago), invitado por Walter Paecke, Moholy-Nagy intenta unificar sus ideas sobre arte y tecnología en un ambicioso programa pedagógico. The New Vision y Vision in Motion siguen siendo libros muy importantes en educación artistica hoy en día.
Doctor Ojiplático. László Moholy-Nagy. Telephone Picture EM3. 1922
Telephone Picture EM3. 1922

Doctor Ojiplático. László Moholy-Nagy. Pneumatik. 1924
Pneumatik. 1924

Doctor Ojiplático. László Moholy-Nagy. Human Mechanics. c.1925
Human Mechanics. c.1925

© László Moholy-Nagy
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H2O. (1929) Ralph Steiner


H2O. (1929). Ralph Steiner. Cine Experimental. Doctor Ojiplático
Primer trabajo del realizador americano, Ralph Steiner, un año antes de Mechanical Principles. Siguiendo la tradición de Regen, es una lírica evocación sobre el agua. Inclasificable en su momento, formal y estéticamente integrado en el Cine Puro o integral (que consiste en una sucesión de imágenes del mundo real llevadas a un cierto grado de abstracción con una intención poética, plástica y musical), H2O estudia los contornos de luces y sombras sobre el agua, capturando los múltiples modelos abstractos que su movimiento genera, los diferentes patrones y lineas onduladas que aparecen en el agua a medida que los mueve la brisa y otras fuerzas pequeñas. 
En 2005, H2O fue nombrada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativa". 
Un arreglo del compostitor y guitarrista americano Larry Marotta, quien en los últimos años se ha encargado de poner música a diversos films experimentales clásicos, sirve de acompañamiento a la versión compartida.
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La Joie de Vivre. The Joy of living. (1934) Anthony Gross y Hector Hoppin


La Joie de Vivre. Joy of Life (1934). Anthony Gross y Hector Hoppin
La Joie de Vivre es considerada una obra maestra de la animación francesa. Este ballet moderno y floral realizado en 1934 por Anthony Gross y Hector Hoppin corresponde a la estética moderna del período de entreguerras, muy influenciado por el Art Déco. 
El pintor inglés (pero de espíritu francés) Anthony Gross (1905-1984) dejó, junto a Hector Hoppin, una preciosa muestra de animación para adultos con el título de La Joie de Vivre. Un corto de poco más de diez minutos protagonizado por dos nínfulas esbeltas y huidizas, una rubia y otra morena, a la salida de su trabajo en una fábrica eléctrica, vestidas con vaporosos vestidos blancos, cuyo peregrinaje por lugares algo inhóspitos (donde vemos sus alambradas y fuentes de electricidad) servirá para que improvisen un bello ballet puesto en música por el compositor húngaro Tibor Harsanyi. (...) La línea sencilla de los dibujos, clara y fluida, contrasta con los arabescos de sus ballets, auténtica poesía en movimiento de la femineidad. Pero que antes de recrearse en la anécdota (de por si imponente), se adhiere perfectamente a una historia donde la narrativa también fluye en consonancia con el resto. fantasiamongoii
¿El resultado? Una desbordante fantasía, donde una y otra vez, de forma gozosa y celebratoria, se nos muestran las obsesiones y las conquistas del arte de ese principios de siglo, la liberación de cualquier necesidad temática o narrativa, la pasión por la máquina y la libertad, el amor por la línea, la forma y el color (aunque esté rodado en blanco y negro) sin otra justificación que no fuera su propia belleza formal y las consecuencias derivadas de ésta. Pero sobre todo, una inmensa ansía de libertad, de gozar la vida como indica el título, cuyo ímpetu es capaz de poner patas arriba todas las normas, todos los obstáculos puestos en su camino por este mundo en el que vivimos. caminando en circulos
Versión sofisticada de la Cenicienta de Perrault. En lugar de trabajar a partir de los diseños de los libros ilustrados para niños, esta película incorpora elementos de art nouveau, el fino arte de Matisse y las ideas visuales de los impresionistas y post futuristas italianos. La coreografía, muy imaginativa, juega constantemente con el movimiento de la abstraccion bidimensional en el espacio tridimensional.  martin klasch
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Anemic Cinema. (1926). Marcel Duchamp





Anémic Cinéma, de Marcel Duchamp (que firmó este trabajo con el alias Rrose Sélavy) es un corto experimental datado de 1926 que combina rotaciones de espirales con frases en francés sin ningún tipo de sentido a modo de paronomasias y aliteraciones. El film, englobado en las corrientes dadaístas y surrealistas de post-guerra es un anagrama (Anémic es una transposición de Cinéma) conceptual ciertamente hipnótico.
La traducción sería más o menos la siguiente:
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Entr'acte. Entreacto. (1924). Rene Clair


Entr'acte. Entreacto. (1924). Rene Clair

Entr'acte -Entreacto- es una composición fílmica de clara vinculación dadaísta y surrealista en donde la construcción narrativa convencional del modo de representación clásico no tiene cabida. Así, las secuencias se van sucediendo una a otra sin aparente vinculación (ausencia de raccord). 

Fuente de experimentación a su vez de las teorías acerca del ritmo en la composición cinematográfica desarrolladas por el propio René Clair, un siniestro y a la vez cómico cortejo fúnebre va acelerando el paso hasta que de repente, un féretro cae al suelo y el supuesto muerto sale del mismo vestido de prestidigitador y rompe el cartel que anuncia el final de la película. 
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Eveready Harton in Buried Treasure. (1928)


Eveready Harton in Buried Treasure.(1928). Doctor Ojiplatico


Cuenta la leyenda que 'Buried Treasure' fue una animación hecha en homenaje a Winsor McCay, un caricaturista y animador anterior a la era Disney, que de hecho marcó un estandar que más o menos seguiria don Walt.

La hicieron tres animadores de tres estudios diferentes de la siguiente manera: El animador A hace la primera parte y le entrega al animador B (sin darle pistas de lo que hizo) el último dibujo para que la continúe y a su vez haga lo mismo con el animador C. Nadie vió el resultado final hasta el día de la presentación.

SIGNOR FORMICA dice:
Es posible que la existencia de este corto de animación no haga demasiada gracia a todo el mundo, por ejemplo a Sarah Palin y sus amigas las “madre tigre” del Tea Party, máxime al conocer que en él estuvieron involucrados de una forma u otra los muy norteamericanos creadores de Betty Boop, El Pájaro Loco y El Capitán Nemo, además de, al parecer, gente de la Disney, pero desde su recuperación en los festivales de cine de San Francisco (¿dónde si no iba a ser?) y su inclusión en la cinta recopilatoria “The Good Old Naughty Days” su popularidad en internet al margen del circuito típicamente X ha sido imparable. Podrá resultarles vulgar en sus planteamientos y pedestre en su ejecución (otros lo calificaríamos de “encantador”), con el agravante de emplear un vehículo tradicionalmente infantil para tocar, a medida que avanza, casi todos los palos (masturbación, sodomía, zoofilia, lactancia erótica, enfermedades venéreas –en inglés “crabs” significa por igual “cangrejos” y “ladillas”-, etc.), sin embargo, quien más o quien menos, todos nos hemos sentido en alguna ocasión como el pobre Eveready Harton, seguro que incluso Christine O’Donell y la propia Palin, demonios, ¡seguro que incluso el Santo Padre!, y además, ¿quién es capaz de detener la difusión de un chiste? ¡Ni siquiera los nazis pudieron hacerlo!
Hoy se sabe que nació como una broma para homenajear al pionero de la animación Winsor McCay en su cumpleaños (McCay fallecería no mucho después) y que tres diferentes estudios neoyorkinos trabajaron en él de forma independiente, a saber: el de Max Fleischer (¡asqueroso judío!), los Van Beuren Aseop Fables Studios de Paul Terry y el responsable de las tiras cómicas de Mutt and Jeff, que pasan por ser las primeras en haber sido publicadas en forma de daily strips.
De acuerdo con la leyenda, “Eveready Harton in Buried Treasure” se reveló en Cuba ante la displicencia de los laboratorios norteamericanos, y su estreno (privado) congregó a parte de la flor y nata de los profesionales de la animación: George Stallings (Disney), George Canata, el mexicano Rudy Zamora (“Los Pitufos”) y Walter Lantz (“Oswald el Conejo Afortunado”, “Andy Panda”), también responsables del corto según otras fuentes, y es de suponer que Fleischer y Paul Terry, un evento al que se refirió en cierta ocasión el animador de Disney Ward Kimball, con el que nos despedimos por hoy (¡no olviden supervitaminarse y mineralizarse, amigos!):
“Ninguno de ellos había visto realmente el resultado de su trabajo hasta la noche del gran show, ya que habían operado por separado. Pero un par de tipos que estuvieron allí me comentaron luego que el techo del hotel casi se viene abajo a causa de las risas”



+ Info:  
andrewhearst
arcadesofia
Karl F. Cohen, “Censored Cartoons & Blacklisted Animators in America”

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L'Étoile de mer.(1928).Man Ray


L'Étoile de mer.(1928).Man Ray. Doctor Ojiplatico
Este artista inclasificable (que rechazo la educación y decidió hacerse experimental autodidacta) primero se empapó del dadaísmo para terminar inclinándose por el surrealismo desde su primera exposición en París. Pinturas, fotografías, collages, objetos o películas entre otras cosas, son parte del legado artístico que nos dejó Man Ray.
El fotógrafo, pintor y cineasta realizó en 1928 su más conocida película, “L'Étoile de mer” a partir de un poema de Robert Desnos que el poeta leyó en su presencia durante una cena privada. El resultado es una historia de corte onírico, dimensión que el realizador subraya con filtros de gelatina (al decir de algunos, utilizados para burlar la censura de la época), y componentes eróticos que transcurren a través de conceptos canónicamente surrealistas, como el del amour fou. Kiki de Montparnasse, André de la Rivière y el mismo Robert Desnos son los actores.
Gracias a El fantasma de la glorieta se ofrece aquí tanto el poema inspirador de la película como el guión original, que Man Ray no seguiría literalmente. Entre otras cosas, desestimó las indicaciones musicales del poeta (Plaisir d'amour, O sole mio o Danubio Azul) para utilizar piezas como C'est lui, de Josephine Baker (que suena como fondo en esta página), Los Piconeros o una saeta de la Niña de los Peines.La traducción de los textos es de la poeta, especialista en lengua y literatura francesas y profesora en la Universidad del País Vasco, Ángela Serna.
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Mechanical Principles (1930). Ralph Steiner



Las vanguardias del siglo XX sintieron desde su arranque una conexión muy especial con la tecnología y los caminos paralelos de la ciencia y el arte. Antes de decantarse por el documental socialmente comprometido, Ralph Steiner, colaborador de Robert Flaherty en Nanook el esquimal, dirigió este cortometraje que expone la tecnofilia de la modernidad y funciona visualmente como una lírica y ordenada coreografía del funcionamiento mecánico. Acercandose de este modo formalmente al cine puro o integral que ha sido introducido respectivamente por Henri Chomette (el hermano, también cineasta, de René Clair) y Germaine Dulac. Reflejan una preocupación general entre las diferentes corrientes cinematográficas de vanguardia o de propósito innovador, teniendo unas raíces ya señaladas en el impresionismo cinematográfico y un paralelismo evidente en el cine absoluto alemán. Sin embargo, a la inversa del grueso de este, las imágenes del cine puro/integral tienen un referente objetivo: son imágenes del mundo real llevadas a un cierto grado de abstracción con una intención poética y, nuevamente, plástica y musical.

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Ballet Mécanique (1924) Fernand Léger & Dudley Murphy



Ballet Mécanique (1924) Fernand Léger & Dudley Murphy

Durante el período de entreguerras, Europa se perfila como un buen lugar donde los artistas más innovadores logran el ambiente propicio para buscar nuevos experimentos artísticos y, como no, cinematográficos, repletos de imágenes bizarras, incomprensibles por entonces entre los sectores culturales más tradicionales. En este caldo de cultivo surgieron films que en ocasiones tenían influencias o conexiones con otras artes, como sucede en Ballet Mécanique (1924), todo un hito dentro del cine silente vanguardista, con referencias cubistas y dirigida por un pintor revolucionario, Fernand Léger.

La película es una experiencia excepcional, rompe todos los esquemas convencionales habidos hasta la fecha, una especie de ensayo sobre el movimiento, vertiginosas imágenes de máquinas humanizadas y humanos deconstruidos se intercalan entre sí componiendo un extraño y surrealista caleidoscopio experimental.

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W.R. Misterije organizma | W.R. Mysteries of the Organism (1971) Dusan Makavejev


Dusan Makavejev. W.R. Misterije organizma (1971). Doctor Ojiplatico

En 1927 el científico y sexólogo austriaco Wilhelm Reich desató una fuerte polémica al sostener en su libro La función del orgasmo la teoría de que la neurosis era producto de la incapacidad de liberar la energía sexual.

El también discípulo de Sigmund Freud daría a sus investigaciones un cauce todavía más provocador al enderezar una crítica sistemática al sicoanálisis y al marxismo, y a su poder de reprimir la líbido (La lucha sexual de los jóvenes, 1929; La psicología de masas del fascismo, 1933; La revolución sexual, 1945).

Consecuentemente, sus libros fueron prohibidos y quemados tanto en la Alemania nazi como en el Estados Unidos del senador McCarthy, y Reich fue declarado, durante su exilio estadunidense, un agitador comunista (a pesar de su crítica al estalinismo) y un científico extravagante y peligroso (por su invención de máquinas terapéuticas, liberadoras de la energía orgásmica), al tiempo que en los países del bloque socialista se le reservaba un franco rechazo.

En 1971, el realizador yugoslavo Dusan Makavejev (Love dossier, 1967; Sweet movie, 1974) propone en su cinta WR, los misterios del organismo, una azarosa exploración, entre documental y ficción, de las teorías de Wilhelm Reich. El tono es el de una comedia política y el procedimiento formal el de un collage que acude a las yuxtaposiciones más peregrinas para generar efectos humorísticos de provocación ideológica.

La cinta se filmó en Nueva York y en la antigua Yugoslavia. El director entrevistó al hijo y a la viuda del escritor (fallecido en 1956), describe someramente el funcionamiento de las cámaras individuales de liberación orgásmica, y narra la historia de una joven yugoslava (Milena Dravic), ferviente militante del amor libre y del onanismo colectivizado, formas de desterrar la represión sexual institucionalizada por los regímenes totalitarios y acceder al derecho de la dicha genital. Todo un programa de revolución sexual que la joven no vacila en transmitir a un bailarín soviético, estrella del patinaje sobre hielo y adepto a la ortodoxia marxista, con consecuencias funestas para los dos.

Dusan Makavejev. W.R. Misterije organizma (1971). Doctor Ojiplatico

Dusan Makavejev transita lúdicamente de las calles de Manhattan, donde un estrafalario ex combatiente de Vietnam aúlla su mensaje pacifista ante peatones impasibles, hasta los interiores de un edificio en Belgrado, donde Milena conmina a sus vecinos a unirse a su cruzada de liberación sexual. Hay imágenes de archivo notables que describen los horrores de la tortura clínica (la aplicación de electrochoques a disidentes políticos) o que muestran, en corte directo, el frenesí de las masas de seguidores de Mao Tse Tung, levantando cientos de miles de ejemplares del pequeño libro rojo.

El cineasta privilegia la iconografía kitsch del llamado padre de los pueblos, José Stalin (Mikheil Gelovani), en escenas de la película soviética El juramento (Pitsi, 1946), de Mikhael Chiaureli. Al lado de estas tomas de hieratismo escénico –museo de cera del horror totalitario–, Makavejev propone, por capricho, el trabajo artístico de una joven especializada en fabricar penes de acrílico, detallando su faena sobre un joven que divertido se presta al experto vaciado en molde –un episodio inspirado en un reportaje de la irreverente revista neoyorquina Screw, de los años 70.

Las referencias al clima político y al relajamiento sexual de la época son numerosas, e incluyen la presencia del travesti Jackie Curtis, cercano a la Factory, de Andy Warhol.

A casi 40 años de haber sido filmada, la película más emblemática del realizador yugoslavo, se aprecia como una curiosidad, valiosa sobre todo por su improvisación inventiva, por su collage de imágenes de archivo y una atractiva banda sonora, y por su calidad testimonial.

Una pieza de Arte y Ensayo que captura con acierto ese breve paréntesis de liberación sexual, entre el auge de las ideologías totalitarias y su extensión tardía en el espíritu neoconservador que persiste en nuestro mundo globalizado.(Carlos Bonfil)

IMDB
Doctor Ojiplático on Vimeo

Mas Información:
Misterios del Organismo en La Tetona de Fellini 
W.R., Sex and the art of Radical Juxtaposition de Jonathan Rosenbaum (en ingles)


W.R. Misterije organizma | W.R.: Mysteries of the Organism (1971) Dusan Makavejev

Dusan Makavejev. W.R. Misterije organizma (1971). Doctor Ojiplatico

W.R. Misterije organizma | W.R.: Mysteries of the Organism (1971) Dusan Makavejev

Dusan Makavejev. W.R. Misterije organizma (1971). Doctor Ojiplatico

Dusan Makavejev. W.R. Misterije organizma (1971). Doctor Ojiplatico

Dusan Makavejev. W.R. Misterije organizma (1971). Doctor Ojiplatico

Dusan Makavejev. W.R. Misterije organizma (1971). Doctor Ojiplatico

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Sedmikrasky. Daisies. Las Margaritas.(1966).Vera Chytilová


Sedmikrasky. (Daisies).(1966).Vera Chytilová. Doctor Ojiplatico
Sedmikrasky. (Daisies).(1966).Vera Chytilová. Doctor Ojiplatico
Dos chicas jóvenes (Marie I y Marie II) concluyen, mientras toman el sol en bikini, que "si en este mundo todo está corrompido, estaremos corrompidas nosotras también". Así se activa el mecanismo que pone en marcha la película: una tras otra, se irán produciendo escenas inconexas en las cuáles las dos protagonistas juegan a ser malas con su entorno. Engañan a hombres maduros para comer gratuitamente, escriben y dibujan en las paredes de su casa, improvisan un baile en un cabaret para boicotear el número que está en escena, engullen y despedazan los manjares de un banquete preparado para otros. Rompiendo toda linealidad narrativa y empleando la técnica collage tanto a nivel visual como auditivo.
Sedmikrasky. Daisies (Las margaritas) es una película de  dirigida por Vera Chytilová, considerada como un hito en la nueva ola del cine checo, este filme experimental y surrealista, en el que Vera se plantea que el mundo esta mal y pone a las dos chicas protagonistas a vivir un mundo extraño, las dos emancipadas de la vida y todo lo normal que se puede vivir en ella, es un sueño que replantea lo que esta mal y lo valido de todos los actos, la película puede ser feminista pero no es su verdadera esencia es más la reflexión de lo extraño de vivir situaciones poco comunes no muy cotidianas, donde al principio los dos extraños personajes se les ve manipulados y a medida que pasa el metraje van buscando la forma de revelarse, de liberarse de todo lo que las ata. Si el mundo esta mal nosotras también seremos malas, algo así es como funciona el filme, muy alejado por supuesto de lo que significa la narración y la coherencia de los actos, siendo el fuerte la interpretación.  
Cine vanguardista e iconoclasta previo a los influyentes acontecimientos de la primavera del 68 en Praga donde la influencia de Godard esta presente, película de culto que representa una época de rebelión y lo subversivo en contra del machismo y la forma de ver el mundo, en una de las épocas claves de la historia del cine moderno. 
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