La Marche des Machines (1927) - Eugène Deslaw

La Marche des Machines, cortometraje rodado en el año 1927 y protagonizado por máquinas en una fábrica, sus movimientos mecánicos y su funcionamiento, se inspira en la adoración del futurismo por la maquina y el movimiento. Con obras como ésta, el cineasta ucraniano Eugène Deslaw dejaba constancia de su interes por el Cinéma Pur (Cine puro, también conocido como Cine absoluto), centrado en los elementos puros del arte cinematográfico durante la época de las vanguardias clásicas

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Doris Chase - Circles. Videoarte

La primera exposición individual de Doris Chase (1923-2008) tuvo lugar en 1956 y su primera exhibición internacional fue en Roma durante el año 1962. Su trabajo artístico fluctuaba entre la pintura y la escultura, por la que es más reconocida. Sin embargo, sus acercamientos al mundo del cine y del vídeo experimental la convierten en una de las pioneras del Videoarte, con una producción de más de 70 películas. Doris Chase comenzó a trabajar en vídeo a principios de 1970, tratando las imágenes con computadora en los primeros balbuceos de ambas disciplinas, integrando escultura y bailarines con los que explorará el procesado de imagen y color con estimulantes resultados

©imagen: Patricia Failing's book, Doris Chase: Artist in Motion

Circles es una muestra muy temprana de videoarte creado por Doris Chase a lo largo de los años 1969-70. Para su creación, la artista precisó de la gran computadora central en las instalaciones de Boeing en Seattle. 

Circles II es una creación de 1971. En esta pieza cuenta con la colaboración de la bailarina/coreógrafa María Staton que está bailando con una escultura de Chase. Filmado en 16 mm en blanco y negro a la que luego Chase añadió efectos mediante la superposición de diferentes películas., y a las que más tarde añadiría color. Mostrada en el American Film Festival celebrado en el año 1973 en New York, el crítico Roger Greenspun la comparaba con la pintura de Matisse 'La Danza', a la vez que la calificaba de "delicada y masiva a un mismo tiempo" afirmando que "la experiencia visual es deslumbrante" 

©Doris Chase 
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via toys and techniques | triangulation blog

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Symphonie Diagonale (1924) Viking Eggeling

 

Una de las obras de cine abstracto más tempranas conservadas, Symphonie Diagonale (Sinfonía diagonal) es la única de Viking Eggeling que ha sobrevivido hasta hoy. Film futurista, precursor del Op Art, abrió con su perspectiva avanzada el camino a la animación experimental, influyendo en artistas como Hans Richter y Oskar Fischinger.

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Lichtspiel, Schwarz-Weiss-Grau. (1930). László Moholy-Nagy

El estreno de Lichtspiel, Schwarz-Weiss-Grau, tuvo lugar a principios de marzo de 1932: demasiado tarde como para dar un nuevo impulso a la vanguardia, y cuando posturas similares ya formaban parte del lenguaje cinematográfico. 

El eje central gira en torno al objeto más famoso de los creados por László Moholy-Nagy, 'el aparato que puede experimentar con la pintura de la luz'; el Utensilio luminoso para escenario eléctrico de 1930, posteriormente también llamado Modulador espacio-luz (Licht Raum Modulator). El Modulador espacio-luz y la película Lichtspiel, Schwarz-Weiss-Grau forman 'una pareja para la que cada uno constituye un elemento fundamental en la contextualización del otro'. La película pretende reproducir 'no sólo el amplio espectro de las múltiples variaciones que pueden crear los efectos de luces y sombras, sino también detalles sobre cómo está construido el aparato'. Pero la estructura sólo puede reconocerse si uno ya conoce el aparato. Al menos en las copias conservadas de la película, no existe ningún plano en el que el modulador se vea al completo. No obstante, se realizaron reconstrucciones con fragmentos de tomas diferentes, y la revista vanguardista Close up publicó en 1932 una fotografía del modulador, y posteriormente, en 1936, lo hizo Telehor, aunque ambas reproducciones muestran una sombra negra del aparato marcada en la pared. Desde este punto de vista, la película adquiere un carácter probatorio aún más marcado; como muestra el posterior plan de estudios de la School of Design: «El siguiente paso es crear y fotografiar un modulador de luz. Un modulador de luz es un artefacto simple; su función es capturar y reflejar, modular la luz».

IMDB

László Moholy-Nagy es una de las grandes figuras de la modernidad. Su concepción de las artes como un todo y su deseo de suprimir la separación y jerarquización entre ellas; su confianza en las posibilidades de una nueva cultura industrial en la que las distinciones entre arte y no arte, entre artesanía y producción mecanizada dejaran de ser pertinentes; su pasión por la pedagogía como medio para llegar al ideal del «hombre nuevo y total» y la necesidad del arte para lograrlo; su anhelo de acabar con la noción arcaizante de la figura del artista como genio, su aspiración al ideal de artista total... hacen de él una figura imprescindible y fundamental de la primera mitad del siglo XX. [Fragmento de László Moholy-Nagy. El Arte de la Luz, de Oliva María Rubio]

Composition A XI. 1923

Pintor, fotógrafo, tipógrafo, pedagogo y director de cine, László Moholy-Nagy nunca diseño nada que se llegara a producir en serie, pero a través de sus libros y sus clases se convirtió en una importante influencia en el mundo del diseño. Nacido en Bácsborsód, Hungría, estudio derecho en Budapest. Empezó a diseñar tras ser herido en la Primera Guerra Mundial, mientras cumplía el servicio militar. Después de la guerra fundó un grupo y una revista vanguardistas con el nombre de Ma (Mañana). Moholy-Nagy era un artista ambicioso: en 1920 se traslada a Berlin y en 1922 se incorpora a la plantilla de la Bauhaus, donde dirigía un taller de metalistería con alumnos como Wilhelm Wagenfeld o Marianne Brandt. También en Berlin, dirigió películas abstractas y semi abstractas y edito los Bauhausbücher, una colección de libros sobre las teorías del arte y del diseño, teorías que habían surgido en Weimar y Dessau. Gropius, Klandinski, o Malevich destacan como algunos de los autores incluidos en esta colección. Moholy-Nagy será uno de los primeros artistas en centrar su atención en la belleza implícita de las maquinas. Su Buch neuer Kunstler (1919) incluía fotografías de aviones como adelanto de su nueva estética. Su creencia principal era que las artes visuales debían referirse a la 'higiene de lo optico', una de sus típicas expresiones. 

Pionero de los nuevos medios, sus 'Telephone Paintings', cuadros que encargó por teléfono a una fabrica de esmaltes leyendo las coordenadas de un papel milimetrado, son de alguna manera los primeros productos artísticos de 'confección'. Vivió cautivado por las maquinas: 'Todos somos iguales ante la maquina (...) en tecnología no hay tradición ni conciencia de clases'. El artefacto más memorable que salio del taller de metales de Moholy en la Bauhaus fue una lampara de mesa diseñada por su alumno más aventajado, Wilhelm Wagenfeld. Diseñada entre 1923-24, producida desde 1927, era 'decisiva, sencilla y bella' en palabras de Ilse Gropius, aunque un fraude si se tiene en cuenta su elevado coste de producción y el hecho de que estaba hecha a mano... 

Moholy-Nagy se traslada a Londres tras el cierre de la Bauhaus donde diseñará exposiciones para los Grandes Almacenes Simpson's mientras ilustra libros para Betjeman o se encarga de la dirección artistica de la revista Architectural Review. En Chicago, a donde llega para dirigir la New Bauhaus (más tarde el Institute of Design de Chicago), invitado por Walter Paecke, Moholy-Nagy intenta unificar sus ideas sobre arte y tecnología en un ambicioso programa pedagógico. The New Vision y Vision in Motion siguen siendo libros muy importantes en educación artistica hoy en día.

Telephone Picture EM3. 1922

Pneumatik. 1924

Human Mechanics. c.1925

© László Moholy-Nagy

The Moholy-Nagy Foundation

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H2O. (1929) Ralph Steiner

Primer trabajo del realizador americano, Ralph Steiner, un año antes de Mechanical Principles. Siguiendo la tradición de Regen, es una lírica evocación sobre el agua. Inclasificable en su momento, formal y estéticamente integrado en el Cine Puro o integral (que consiste en una sucesión de imágenes del mundo real llevadas a un cierto grado de abstracción con una intención poética, plástica y musical), H2O estudia los contornos de luces y sombras sobre el agua, capturando los múltiples modelos abstractos que su movimiento genera, los diferentes patrones y lineas onduladas que aparecen en el agua a medida que los mueve la brisa y otras fuerzas pequeñas. 

En 2005, H2O fue nombrada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativa". 

Un arreglo del compostitor y guitarrista americano Larry Marotta, quien en los últimos años se ha encargado de poner música a diversos films experimentales clásicos, sirve de acompañamiento a la versión compartida.

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Anemic Cinema. (1926). Marcel Duchamp

 

Anémic Cinéma, de Marcel Duchamp (que firmó este trabajo con el alias Rrose Sélavy) es un corto experimental datado de 1926 que combina rotaciones de espirales con frases en francés sin ningún tipo de sentido a modo de paronomasias y aliteraciones. El film, englobado en las corrientes dadaístas y surrealistas de post-guerra es un anagrama (Anémic es una transposición de Cinéma) conceptual ciertamente hipnótico.
La traducción sería más o menos la siguiente:

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Entr'acte. Entreacto. (1924). Rene Clair

Entr'acte -Entreacto- es una composición fílmica de clara vinculación dadaísta y surrealista en donde la construcción narrativa convencional del modo de representación clásico no tiene cabida. Así, las secuencias se van sucediendo una a otra sin aparente vinculación (ausencia de raccord). 

Fuente de experimentación a su vez de las teorías acerca del ritmo en la composición cinematográfica desarrolladas por el propio René Clair, un siniestro y a la vez cómico cortejo fúnebre va acelerando el paso hasta que de repente, un féretro cae al suelo y el supuesto muerto sale del mismo vestido de prestidigitador y rompe el cartel que anuncia el final de la película. 

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L'Étoile de mer.(1928).Man Ray

Este artista inclasificable (que rechazo la educación y decidió hacerse experimental autodidacta) primero se empapó del dadaísmo para terminar inclinándose por el surrealismo desde su primera exposición en París. Pinturas, fotografías, collages, objetos o películas entre otras cosas, son parte del legado artístico que nos dejó Man Ray.

El fotógrafo, pintor y cineasta realizó en 1928 su más conocida película, “L'Étoile de mer” a partir de un poema de Robert Desnos que el poeta leyó en su presencia durante una cena privada. El resultado es una historia de corte onírico, dimensión que el realizador subraya con filtros de gelatina (al decir de algunos, utilizados para burlar la censura de la época), y componentes eróticos que transcurren a través de conceptos canónicamente surrealistas, como el del amour fou. Kiki de Montparnasse, André de la Rivière y el mismo Robert Desnos son los actores.

Gracias a El fantasma de la glorieta se ofrece aquí tanto el poema inspirador de la película como el guión original, que Man Ray no seguiría literalmente. Entre otras cosas, desestimó las indicaciones musicales del poeta (Plaisir d'amour, O sole mio o Danubio Azul) para utilizar piezas como C'est lui, de Josephine Baker (que suena como fondo en esta página), Los Piconeros o una saeta de la Niña de los Peines.La traducción de los textos es de la poeta, especialista en lengua y literatura francesas y profesora en la Universidad del País Vasco, Ángela Serna.

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Mechanical Principles (1930). Ralph Steiner

Las vanguardias del siglo XX sintieron desde su arranque una conexión muy especial con la tecnología y los caminos paralelos de la ciencia y el arte. Antes de decantarse por el documental socialmente comprometido, Ralph Steiner, colaborador de Robert Flaherty en Nanook el esquimal, dirigió este cortometraje que expone la tecnofilia de la modernidad y funciona visualmente como una lírica y ordenada coreografía del funcionamiento mecánico. Acercandose de este modo formalmente al cine puro o integral que ha sido introducido respectivamente por Henri Chomette (el hermano, también cineasta, de René Clair) y Germaine Dulac. Reflejan una preocupación general entre las diferentes corrientes cinematográficas de vanguardia o de propósito innovador, teniendo unas raíces ya señaladas en el impresionismo cinematográfico y un paralelismo evidente en el cine absoluto alemán. Sin embargo, a la inversa del grueso de este, las imágenes del cine puro/integral tienen un referente objetivo: son imágenes del mundo real llevadas a un cierto grado de abstracción con una intención poética y, nuevamente, plástica y musical.

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Ballet Mécanique (1924) Fernand Léger & Dudley Murphy

Durante el período de entreguerras, Europa se perfila como un buen lugar donde los artistas más innovadores logran el ambiente propicio para buscar nuevos experimentos artísticos y, como no, cinematográficos, repletos de imágenes bizarras, incomprensibles por entonces entre los sectores culturales más tradicionales. En este caldo de cultivo surgieron films que en ocasiones tenían influencias o conexiones con otras artes, como sucede en Ballet Mécanique (1924), todo un hito dentro del cine silente vanguardista, con referencias cubistas y dirigida por un pintor revolucionario, Fernand Léger.

La película es una experiencia excepcional, rompe todos los esquemas convencionales habidos hasta la fecha, una especie de ensayo sobre el movimiento, vertiginosas imágenes de máquinas humanizadas y humanos deconstruidos se intercalan entre sí componiendo un extraño y surrealista caleidoscopio experimental.

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